El arte en la portada de Dangerous, Parte 5: Monos alados == The art on the cover of Dangerous, Part 5 Winged monkeys
Mar28

El arte en la portada de Dangerous, Parte 5: Monos alados == The art on the cover of Dangerous, Part 5 Winged monkeys

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Winged monkeys, on the cover of Dangerous

Monos con alas (Voladores) en la portada de Dangerous

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“The monkeys caught Dorothy in their arms and flew away with her”: illustration by W. W. Denslow in L. Frank Baum, The Wonderful Wizard of Oz, 1900 “Los monos capturan a Dorothy en sus brazos y vuelan lejos con ella”: ilustración por WW Denslow basada en la novela de L. Frank Baum, El Maravilloso Mago de Oz;  1900

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Ver esta imagen más grande aquí:

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/09/BauW170B.jpg

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Winged monkeys

Monos alados (Voladores)

(Often referred to in adaptations and popular culture as flying monkeys) are characters from The Wonderful Wizard of Oz, of enough impact between the books and the 1939 movie to have taken their own place in popular cultureRegularly referenced in comedic or ironic situations as a source of evil or fear. (Denominados a menudo en las adaptaciones y en la cultura popular como monos voladores) son los personajes de El Maravilloso Mago de Oz, con impacto suficiente entre los libros y la película de 1939 que les ha dado su propio lugar en la cultura popular.Regularmente se hace referencia a ellos en situaciones de comedia irónica o como una fuente del mal o el miedo.

Details

Detalles

In the original Oz novels, these were just what the name implies: intelligent monkeys with wings. They were controlled by a golden hat, initially worn by the Wicked Witch of the West who used it to set the monkeys upon Dorothy and her friends. At one point they destroy the Scarecrow and Tin Woodman entirely, leaving them scattered across the landscape. In return, the Wicked Witch is allowed 3 wishes that leave her entirely responsible for any mishaps or misconceptions. En la novela original de Oz, no eran más que lo que el nombre implica: monos inteligentes con alas. Estaban controlados por un sombrero de oro, inicialmente usado por la Malvada Bruja del Oeste que los usó para que los monos llevaran a Dorothy y sus amigos. En un momento ellos destruyen el Espantapájaros y a Tin Woodman totalmente, dejándolos esparcidos el paisaje. A cambio, la bruja mala les permite 3 deseos que la dejan totalmente responsable de cualquier incidente o conceptos erróneos.
In the classic 1939 film The Wizard of Oz, the monkeys are apparently intelligent enough to obey commands, but do not speak, as in the book. This makes them seem considerably more “animalistic” and less benign. They kidnap Dorothy and dismantle the Scarecrow, but do nothing to the Tin Man or the Cowardly Lion, leaving them free to put the Scarecrow back together and rescue Dorothy. There is no mention of any three wishes in the film. En el clásico film de 1939 de El Mago de Oz, los monos son al parecer lo suficientemente inteligentes como para obedecer órdenes, pero no hablan, como en el libro. Esto los hace parecer mucho más “bestiales” y menos benignos. Secuestran a Dorothy y desmantelan al Espantapájaros, pero no hacen nada contra el hombre de hojalata o el León Cobarde, dejándolos libres para armar al Espantapájaros de nuevo y juntos rescatan a Dorothy. No hay ninguna mención de los tres deseos en la película.
Nikko (the head monkey) is shown again after the Witch orders him to throw a basket containing the dog Toto in the river (an order that Dorothy prevents him from carrying out), with the Witch as she angrily throws down the hour glass after the trio rescues Dorothy, and once more after the Witch has been melted. Nikko (el mono líder) es mostrado de nuevo con la orden de la bruja para que lance la cesta que contiene el perro Toto en el río (un pedido que Dorothy le impide llevar a cabo), por lo que la bruja enojada arroja el cristal de la hora después de que el trío rescata a Dorothy, y una vez más después de la bruja se ha derretido.
There is only a brief glimpse of the Golden Cap in the film: after Dorothy and the Lion reawake after Glinda breaks the spell on the poppies conjured by the Witch, she is seen watching them in anger in her crystal ball. Nikko hands her the Golden Cap and she utters the “somebody always helps that girl” line, before throwing the cap across the room angrily. Sólo hay un breve vistazo al Gorro de Oro en la película: después de que Dorothy y el León después reavivan a Glinda y ésta rompe el hechizo de la amapola conjurado por la bruja, se ve mirando con ira en su bola de cristal. Nikko toma su Gorro de Oro y pronuncia la frase  “Siempre hay alguien que ayuda a esa niña”, antes de tirar la gorra en la sala de rabia
The reason for this brief appearance comes from a scene deleted from the final film. In the script, after the Witch conjures up the poppies that puts Dorothy, Toto and the Lion to sleep she orders Nikko to fetch the Golden Cap so she can summon the Winged Monkeys and they can take the Ruby Slippers from the sleeping girl. However, she never gets a chance as the spell is broken before she can. Why the Witch doesn’t use the Golden Cap to summon to monkeys when she sends off into the Winkie Forest to capture Dorothy and Toto is unknown. In the film, the cap looks almost identical to the original artwork by Denslow in the book. El motivo de esta breve aparición proviene de una escena eliminada de la película final En el guión, después de que la Bruja evoca a las amapolas que ponen a Dorothy, Toto y el León a dormir, ella ordena a Nikko a buscar el Gorro de Oro para que pueda convocar a los monos alados y que ellos pudieran tomar las zapatillas de rubí de la niña dormida. Sin embargo, nunca tienen oportunidad porque el hechizo se rompe antes de que puedan hacerlo. ¿Por qué la bruja no utiliza el Gorro de Oro para llamar a los monos cuando los envía al bosque Winkie para capturar a Dorothy y Toto? Se desconoce. En la película, la gorra se ve casi idéntica a la de la obra de arte original del libro de Denslow.
In the film version of The Wiz, the African-American rock adaptation of The Wizard of Oz, the Flying Monkeys are a motorcycle gang, whose leader is named Cheetah, after the Tarzan character. Their metal wings are part of their motorcycles, but these apparently dissolved with the witch’s other magic, as they are absent when carrying Dorothy and her friends back to the Emerald City En la versión cinematográfica de The Wiz, la adaptación musical afro-estadounidense de El mago de Oz, los monos voladores son una banda de motoristas, cuyo jefe se llama Cheetah, inspirado en el personaje de Tarzán. Sus alas de metal son parte de sus motocicletas, pero, al parecer se disuelven con otra magia de la bruja, ya que están ausentes cuando acarrean a Dorothy y sus amigos de regreso a la Ciudad Esmeralda.
An account in the The Wonderful Wizard of Oz explained that the hat was made and imbued with power by a princess named Gayelette. When she was to marry a man named Quelala, the monkeys played a prank on him. Angry, she made the cap, and gave it to Quelala as a wedding present. Quelala merely ordered the monkeys to no longer play pranks, but somehow, the cap fell into the hands of the Wicked Witch. After her death, Dorothy used the cap three times, and finally gave it to Glinda, who ordered the monkeys to carry Dorothy’s companions back to their homes in Oz, and then to cease to bother people, and then gave them the cap as their own, to free them. Un reporte en el The Wonderful Wizard of Oz explica que el sombrero fue hecho e imbuido con poder por una princesa llamada Gayelette. Cuando ella iba a casarse con un hombre llamado Quelala, los monos le jugaron una broma. Enojada, hizo la gorra, y se lo dio a Quelala como regalo de bodas. Quelala simplemente ordenó a los monos no volver a jugar bromas, pero de alguna manera, la gorra cayó en manos de la Bruja Malvada. Después de la muerte de la bruja, Dorothy utilizó la gorra tres veces y, finalmente, se la dio a Glinda, quien ordenó a los monos llevar a los compañeros de Dorothy de vuelta a sus hogares en Oz, y luego dejar de molestar a la gente, y después les dio la gorra, para liberarlos.
They were never included in any of the subsequent Oz books, although they are mentioned in The Land of Oz, and Alexander Volkov’s Oz – based series briefly feature them once more (and they are also mentioned once more). Ellos nunca fueron incluidos en ninguno de los libros posteriores de Oz, aunque son mencionados en la Tierra de Oz y Oz de Alexander Volkov – basados en series que los presentan una vez más (y también se mencionan una vez más).

Depictions in modern fiction

Representaciones en la ficción moderna

In Gregory Maguire’s revisionist novels Wicked: The Life and Times of the Wicked Witch of the West and Son of a Witch, the flying monkeys were created by Elphaba (the Witch) as part of her experiments on the nature of the soul and what distinguishes non-speaking animals from intelligent, speaking Animals. In these novels, most of the flying monkeys cannot speak, but Elphaba’s favorite (named Chistery) has a distinctive speech pattern characterized by the repetition of similar-sounding words. En las novelas revisionistas de Gregory Maguire Wicked: The Life and Times of the Wicked Witch of the West (La Vida y Época de la Malvada Bruja del Oeste) y Son of a Witch (El Hijo de una bruja), los monos voladores fueron creados por Elphaba (la bruja), como parte de sus experimentos sobre la naturaleza del alma y lo que distingue a los animales que no hablan, de los animales inteligentes que hablan. En estas novelas, la mayoría de los monos voladores no puede hablar, pero el favorito de Elphaba (de nombre Chistery) tiene un patrón de expresión distintivo caracterizado por la repetición de palabras que suenan similar.
Also, in the new miniseries, “Tin Man,” flying monkeys get a new name, Mobat, a portmanteau of monkey and bat Asimismo, en la nueva miniserie “Tin Man”, los monos voladores reciben un nuevo nombre, Mobat, una mezcla de mono y murciélago.

Political interpretations of The Wonderful Wizard of Oz

Interpretaciones políticas de El Maravilloso Mago de Oz

Some critics interpret The Wizard of Oz as a political allegory suggest the Winged Monkeys represent African-Americans, oppressed by an overbearing force and who are relieved to be free of that bondage when the evil force is terminated. Others see them as hired Pinkerton Agents who worked for the Trusts in the 1890s and hounded labor unions. (L. Frank Baum made an explicit reference to Pinkerton agents in a later book, “Lost Princess of Oz”, p 211) Algunos críticos interpretan a El Mago de Oz como alegoría política, y sugieren que los monos alados representan los afro-americanos, oprimidos por una fuerza dominante y que se sienten aliviados de estar libres de la esclavitud al cesar la fuerza del mal. Otros los ven como  agentes contratados por Pinkerton que trabajaban para los fideicomisos en los años 1890 y eran acosados por los sindicatos. (L. Frank Baum, hizo una referencia explícita a los agentes de Pinkerton en un libro posterior, “Lost Princess of Oz”, p 211)

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http://en.wikipedia.org/wiki/Winged_monkeys

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You can read the novel (in English) here, including obviously the chapter 14 related about The Winged Monkeys Se puede leer la novela (En inglés) aquí, incluyendo obviamente el capítulo 14 que trata sobre los Monos voladores.

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The Wonderful Wizard of Oz

L. Frank Baum

Chicago, April, 1900.

Next chapter: 1. The Cyclone

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Chapter 14th The Winged Monkeys

http://www.cs.cmu.edu/~rgs/oz-14.html

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Fun fact

Dato curioso

Indeed, in studies of Cryptozoology (the study of hidden animals) there is a species called: Por cierto que en los estudios de la  Criptozoología (Que estudia los animales ocultos) existe una especie llamada:
Cercopithecus icaracornu (a monkey with wings) Cercopithecus icaracornu (un simio con alas)
Source: Article “Cryptozoology, between legend and science” Fuente: Artículo “Criptozoología, entre la leyenda y la ciencia”

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Un juguete- A toy:

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Wizard of Oz: Ken Winkie Guard and Winged Monkey

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http://www.amazon.com/Wizard-Oz-Winkie-Winged-Monkey/dp/B000P43V6G

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Otro juguete -Another toy:

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Manufacturer : Hot Toys
Series : Statue
Original : The Wizard Of Oz

http://www.1999.co.jp/eng/10083425

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Michael Jackson’s best bits in The Wiz

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Group saying goodbye to head Winged Monkey after Melting the Wicked Witch of the West.

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El grupo se despide del Mono alado líder, después del derretimiento de la Malvada Bruja del Oeste.

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Fuente de estas imagenes y descripción:

http://www.wendyswizardofoz.com/thewiz5.htm

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http://www.youtube.com/watch?v=2d01bRfqOeI

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Michael Jackson The Wiz 1978

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http://www.youtube.com/watch?v=mPVpMxVn6mk

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In the film version of The Wiz, the Flying Monkeys are a motorcycle gang, whose leader is named Cheetah, after the Tarzan character. Their metal wings are part of their motorcycles.

Production art and stills via: The Wiz: The Musical-a “virtual coffee table book”

http://thenewcaferacersociety.blogspot.com/2008/07/no-talking-in-front-wiz.html

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Una versión “más moderna” creada en una nueva versión ilustrada de The Wizard of Oz por Graham Rawle, y claro de los Monos voladores:

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Using modified dolls and other props, Graham Rawle has created a new illustrated version of The Wizard of Oz.

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Video:

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http://grahamrawle.blogspot.com/2008/10/wizard-of-oz-book-trailer.html

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Y para Guifo (Si me lee, claro :S ) Si, también fueron parodiados en los Simpsons  😛 :

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http://www.bartcop.com/burns-flying-monkeys.JPG

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Índice: El arte en la portada de Dangerous (The art on the cover of Dangerous)

Descripción

Parte 1: Mark Ryden El autor de la pintura es Mark Ryden. Por lo que antes que nada, agregaré información sobre este gran artista… Si conocemos al menos un poco al artista, nosotros podremos entender mejor su arte:
Parte 2: P.T. Barnum-General Tom Thumb Breve historia sobre este personaje del que Michael admiraba su manera de crear una industria del espectáculo
Parte 3: Las influencias de Ryden Por ejemplo: El jardín de las delicias de El Bosco. También Bubbles, el Vitiligo, el guante de Michael.
Parte 4 Otras obras en la portada de Dangerous El nacimiento de Venus (Botticelli). Napoleón I en su trono imperial Jean Auguste Dominique Ingres, Cariátide
Parte 5: Monos alados (Winged monkeys) De la novela el Mago de Oz, podemos ver a los monos voladores.
Parte 6 La Reina y “El Infierno” (El príncipe del Infierno), de El Bosco ¿Quién pareciera ser la Reina en la pintura de Dangerous? Una vez más El Jardín de las Delicias, “El Infierno” (El príncipe del Infierno), El Bosco
Parte 7 Ornamentos arquitectónicos en la Portada de Dangerous Sólo muestro algunos de esos elementos. No debemos olvidar que el autor de la pintura pertenece a la  Francmasonería (Freemasonry) por lo que estos elementos toman también otro significado.
Parte 8 Otros elementos de las Bellas Artes Comedia y Tragedia en la Portada de Dangerous. Sobre el cráneo que sostiene el niño, volvemos a El Bosco.

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Recopilación de información y traducción al español  realizada por Gisela F., para tributomj.com Se autoriza la reproducción de esta entrada en otros sitios,siempre y cuando se agregue 1) la (s) fuente (s) original (es) de la información 2) El vínculo a esta entrada de este blog. Todas las fuentes.  EXCEPCIONES: No autorizamos que nuestro trabajo (Investigación, recopilación, traducción, etc.) se reproduzca en sitios dedicados a temas de teorías conspirativas y todas sus ramificaciones, o sitios dedicados a “la falsa muerte” DE NINGUNA MANERA AUTORIZAMOS SE NOS INVOLUCRE O RELACIONE CON ESOS SITIOS ENGAÑOSOS (Def.) . 

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El arte en la portada de Dangerous, Parte 4 == The art on the cover of Dangerous, Part 4
Mar28

El arte en la portada de Dangerous, Parte 4 == The art on the cover of Dangerous, Part 4

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The Birth of Venus (Botticelli) – El nacimiento de Venus en la portada de Dangerous

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The Birth of Venus Artist   Sandro Botticelli Year    c. 1486Type    tempera on canvas

Dimensions     172.5 cm × 278.5 cm (67.9 in × 109.6 in)

Location         Uffizi, Florence

El nacimiento de Venus
(La Nascita di Venere)Sandro Botticelli, 1484Temple sobre lienzo – Renacimiento”Quatroccento”

172,5 cm × 278,5 cm

Galería Uffizi, Florencia, Italia

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Ver esta imagen más grande:

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/47/La_nascita_di_Venere_%28Botticelli%29.jpg

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http://www.youtube.com/watch?v=rUuMjkvFuak

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The Birth of Venus (Botticelli)

El nacimiento de Venus

The Birth of Venus is a painting by Sandro Botticelli. It depicts the goddess Venus, having emerged from the sea as a full grown woman, arriving at the sea-shore (which is related to the Venus Anadyomene motif). The painting is held in the Uffizi Gallery in Florence. El nacimiento de Venus 1482-1484 es una pintura de Sandro Botticelli (14451510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.

Interpretation

Análisis del cuadro

The iconography of Birth of Venus is very similar to a description of the event (or rather, a description of a sculpture of the event) in a poem by Angelo Poliziano, the Stanze per la giostra.[3] No single text provides the precise content of the painting, however, which has led scholars to propose many sources and interpretations.[4] Art historians who specialize in the Italian Renaissance have found a Neoplatonic interpretation, which was most clearly articulated by Ernst Gombrich, to be the most enduring way to understand the painting.For Plato – and so for the members of the Florentine Platonic Academy – Venus had two aspects: she was an earthy goddess who aroused humans to physical love or she was a heavenly goddess who inspired intellectual love in them. Plato further argued that contemplation of physical beauty allowed the mind to better understand spiritual beauty. So, looking at Venus, the most beautiful of goddesses, might at first raise a physical response in viewers which then lifted their minds towards the Creator.[5] A Neoplatonic reading of Botticelli’s Birth of Venus suggests that fifteenth-century viewers would have looked at the painting and felt their minds lifted to the realm of divine love.More recently, questions have arisen about Neoplatonism as the dominant intellectual system of late fifteenth-century Florence,[6] and scholars have indicated that there might be other ways to interpret Botticelli’s mythological paintings. In particular, both Primavera and Birth of Venus have been seen as wedding paintings that suggest appropriate behaviors for brides and grooms

 

Classical inspiration

 

The central figure of Venus in the painting is very similar to Praxiteles‘ sculpture of Aphrodite. The version of her birth, is where she arises from the sea foam, already a full woman.

In classical antiquity, the sea shell was a metaphor for a woman’s vulva.[8]

The pose of Botticelli’s Venus is reminiscent of the Venus de’ Medici, a marble sculpture from classical antiquity in the Medici collection which Botticelli had opportunity to study.

 

 

Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es Céfiro (Dios del viento del oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Es la ninfa de la brisa y esposa de Céfiro a quienes los romanos apodaron Flora. También se ha identificado con Aura, diosa de la brisa. Céfiro y Cloris, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, flores que según la leyenda después se convertirán en seres.El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica: una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. Cubre con sus largos y rubios cabellos sus partes íntimas, aunque la larga cabellera, colocada en la entrepierna, acaba recordando al vello púbico, cuya representación estaba prohibida. El cabello es un ornamento eminentemente erótico; Botticelli lo pinta con largos arabescos que rozan la anatomía de la diosa con una delicada caricia. Con su brazo derecho trata delicada y casi inocentemente de taparse sus pechos. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico. Ahora bien, el contrapposto, con todo el peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente levantado, se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en particular las del helenismo. Se representa, sin embargo, al prototipo de belleza botticelliana semejante a la que aparece en La calumnia de Apeles; se cree que en esta Venus pudo representar a Simonetta Vespucci, glorificada en las Stanze de Poliziano, aunque la cuestión ha de quedar abierta. El rostro recuerda al de las vírgenes de Botticelli: muy joven, de boca cerrada y ojos claros. Su expresión melancólica es impropia de la Antigüedad, asociándose más bien a la expresión de una bondad de raigambre cristiana. La piel de Venus es de color marfil, un blanco con una ligera tonalidad amarillenta y con ocasionales matices rosa. Esta tonalidad no recuerda a la piel, no sugiere carne tibia y flexible, sino la superficie y la firmeza de una estatua.

Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento.[2]

Una de las Horas o Ninfas que espera a la diosa en la playa, para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se cree que se trata, específicamente, de la Primavera, la estación del renacer. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.

El que la ninfa tape con su manto a la diosa es señal de que los misterios de Venus, como los del conocimiento, se encuentran ocultos.

El paisaje no recibe especial interés por el pintor, lo que es una característica de Botticelli, como él mismo reconoció ante Leonardo da Vinci. Los árboles forman parte de un pequeño bosque de naranjos en flor, esto corresponde al sagrado jardín de las Hespérides en la mitología griega. No obstante, los naranjos, lo mismo que el laurel, también presente, pueden entenderse como alusiones a la familia Médicis. Destacan los ropajes, caracterizados por tener una gran marcación de pliegues. Esta composición es de estructura más rigurosa, llena de líneas y de movimientos armónicos.

Se trata de una pintura de extraordinaria calidad por la representación microscópica de los detalles, las proporciones de los personajes concretos y por sus relaciones mutuas (Ch. Basta).

 

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Texto en español, fragmento de:

http://es.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus

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English text fragment of:

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Birth_of_Venus_(Botticelli)

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As pointed out earlier text, The Birth of Venus is inspired by the many Greco-Roman representations of Aphrodite (Venus). Como bien señala el texto anterior, El nacimiento de Venus está inspirado en las muchas representaciones greco-romanas de Afrodita (Venus).

Aphrodite

AFRODITA

Aphrodite (Greek: Ἀφροδίτη, IPA: [apʰrodíːtɛː]; English: /ˌæfrɵˈdaɪtiː/; Latin: Venus) is the Greek goddess of love, beauty and sexuality.[2][3] According to Greek poet Hesiod, she was born when Cronus cut off Ouranos‘ genitals and threw them into the sea, and from the aphros (sea foam) arose Aphrodite.[4]Because of her beauty other gods feared that jealousy would interrupt the peace among them and lead to war, and so Zeus married her to Hephaestus, who was not viewed as a threat. Her unhappiness in marriage caused her to frequently seek out the companionship of her lover Ares. Aphrodite also became instrumental in the Eros and Psyche legend, and later was both Adonis‘ lover and his surrogate mother.Aphrodite is also known as Cytherea (Lady of Cythera) and Cypris (Lady of Cyprus) after the two places, Cythera and Cyprus, which claim her birth. Her Roman equivalent is the goddess Venus. Myrtles, doves, sparrows, and swans are sacred to her. The Greeks identified the Ancient Egyptian goddess Hathor with Aphrodite

 

Afrodita (en griego antiguo Ἀφροδίτη) es, en la mitología griega, la diosa del amor, la lujuria, la belleza, la prostitución y la reproducción. Aunque a menudo se alude a ella en la cultura moderna como «la diosa del amor», es importante señalar que normalmente no era el amor en el sentido cristiano o romántico, sino específicamente Eros (atracción física o sexual). Su equivalente romana es la diosa Venus.

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Leer más aquí

http://es.wikipedia.org/wiki/Afrodita

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Read more here:

http://en.wikipedia.org/wiki/Aphrodite

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Napoleon I on his Imperial Throne- Jean Auguste Dominique Ingres

Napoleón I en su trono imperial Jean Auguste Dominique Ingres en la portada de Dangerous

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Artist Jean Auguste Dominique Ingres
Year 1806
Type oil on canvas
Dimensions 259 cm × 162 cm (102 in × 64 in)
Location Musée de l’Armée, Hôtel des Invalides, Paris

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Ver esta imagen más grande aquí

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/28/Ingres%2C_Napoleon_on_his_Imperial_throne.jpg

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Napoleon I on his Imperial Throne- Jean Auguste Dominique Ingres

Napoleón I en su trono imperial Jean Auguste Dominique Ingres

Napoleon I on his Imperial Throne is an 1806 portrait of Napoleon I of France in his coronation costume, painted by the French painter Ingres.It shows Napoleon as emperor, in the costume he wore for his coronation, seated on a circular-backed throne with armrests adorned with ivory balls. In his right hand he holds the sceptre of Charlemagne and in his left the hand of justice. On his head is a golden laurel-wreath. He also wears an ermine hood under the great collar of the Légion d’honneur, a gold-embroidered satin tunic and an ermine-lined purple velvet cloak decorated with gold bees. The coronation sword is in its scabbard and held up by a silk scarf. The subject wears white shoes embroidered in gold and resting on a cushion. The carpet under the throne displays an imperial eagle. The signature INGRES P xit is in the bottom left, and ANNO 1806 in the bottom right. Napoleón I en su trono imperial es un retrato de 1806 de Napoleón I de Francia en su traje de coronación, pintado por el pintor francés Ingres.
Se muestra a Napoleón como emperador, con el vestuario que llevaba para su coronación, sentado en un trono circular respaldado con brazos adornados con bolas de marfil. En su mano derecha sostiene el cetro de Carlomagno y en la mano izquierda la justicia. En su cabeza está una corona de laurel de oro. También lleva una capucha de armiño en el marco del Gran Collar de la Legión de Honor, un bordado de oro y una túnica de satén forrado de armiño manto de terciopelo morado decorado con las abejas de oro. La espada de la coronación es en la vaina y sostenido por un pañuelo de seda. El tema lleva zapatos blancos bordados en oro y apoyados en un cojín. La alfombra bajo el trono muestra un águila imperial. La firma P INGRES Sale en la parte inferior izquierda, y Año 1806 en la parte inferior derecha.

Jean Auguste Dominique Ingres

Jean Auguste Dominique Ingres

Jean Auguste Dominique Ingres (French pronunciation: [ɛ̃ːɡʁ]) (29 August 1780 – 14 January 1867) was a French Neoclassical painter. Although he considered himself to be a painter of history in the tradition of Nicolas Poussin and Jacques-Louis David, by the end of his life it was Ingres’s portraits, both painted and drawn, that were recognized as his greatest legacy.A man profoundly respectful of the past, he assumed the role of a guardian of academic orthodoxy against the ascendant Romantic style represented by his nemesis Eugène Delacroix. His exemplars, he once explained, were “the great masters which flourished in that century of glorious memory when Raphael set the eternal and incontestable bounds of the sublime in art … I am thus a conservator of good doctrine, and not an innovator.”[1] Nevertheless, modern opinion has tended to regard Ingres and the other Neoclassicists of his era as embodying the Romantic spirit of his time,[2] while his expressive distortions of form and space make him an important precursor of modern art Jean Auguste Dominique Ingres, más conocido como Dominique Ingres, (Montauban, 29 de agosto de 1780París; 14 de enero de 1867), pintor francés.Su estilo de pintura se llamó: ingrismo. Ingres no es neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico, romántico y realista[1] . Ingres constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los temas, el trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido[2] . Algunas de sus obras se enmarcan en el llamado «Estilo trovador», inspirándose en el ideal estético griego y gótico, además de en las miniaturas de los libros de horas de Fouquet[2] . Igualmente, es ejemplo de orientalismo, pues muchos de sus cuadros, especialmente desnudos femeninos, están dominados por un sentido irreal del exotismo propio del siglo XVIII[2]

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Cariátide en la portada de Dangerous == Caryatid on the cover of Dangerous

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The Caryatid Porch of the Erechtheion, Athens, 421–407 BC

Cariátides del Erecteion, Atenas, 421-407 a. C.

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Caryatids on the Book Tower, Detroit

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Caryatid

Cariátide

A caryatid (Greek: Καρυάτις, plural: Καρυάτιδες) is a sculpted female figure serving as an architectural support taking the place of a column or a pillar supporting an entablature on her head. The Greek term karyatides literally means “maidens of Karyai“, an ancient town of Peloponnese. Karyai had a famous temple dedicated to the goddess Artemis in her aspect of Artemis Karyatis: “As Karyatis she rejoiced in the dances of the nut-tree village of Karyai, those Karyatides, who in their ecstatic round-dance carried on their heads baskets of live reeds, as if they were dancing plants” (Kerenyi 1980 p 149).Ancient usage

 

Some of the earliest known examples were found in the treasuries of Delphi, dating to about the 6th century BC, but their use as supports in the form of women can be traced back even earlier, to ritual basins, ivory mirror handles from Phoenicia, and draped figures from archaic Greece. The best-known and most-copied examples are those of the six figures of the Caryatid Porch of the Erechtheion on the Acropolis at Athens

 

One of those original six figures, removed by Lord Elgin in the early 1800s, is now in the British Museum in London. The other five figures are replaced onsite by replicas, and are in the Acropolis Museum.

The Romans also copied the Erechtheion caryatids, installing copies in the Forum of Augustus and the Pantheon in Rome, and at Hadrian’s Villa at Tivoli. Another Roman example, found on the Via Appia, is the Townley Caryatid.

Renaissance and after

In Early Modern times, the practice of integrating caryatids into building facades was revived, and in interiors they began to be employed in fireplaces, which had not been a feature of buildings in Antiquity and offered no precedents. An early interior example are the figures of Herculkes and Iole carved on the jambs of a monumental fireplace in the Sala della Jole of the Doge’s Palace, Venice, about 1450.[1] In the following century Jacopo Sansovino, both sculptor and architect, carved a pair of female figures supporting the shelf of a marble chimneypiece at Villa Garzoni, near Padua.[2] No architect mentioned the device until 1615, when Palladio‘s pupil Vincenzo Scamozzi included a chapter devoted to chimneypieces in his Idea della archittura universale. Those in the apartments of princes and important personages, he considered, might be grand enough for chimneypieces with caryatid supporters, such as one he illustrated and a similar one he installed in the Sala dell’Anticollegio, also in the Doge’s Palace.[3]

In the 16th century, from the examples engraved for Sebastiano Serlio‘s treatise on architecture, caryatids became a fixture in the decorative vocabulary of Northern Mannerism expressed by the Fontainebleau School and the engravers of designs in Antwerp. In the early 17th century interior examples appear in Jacobean interiors in England; in Scotland the overmantel in the great hall of Muchalls Castle remains an early example. Caryatids remained part of the German Baroque vocabulary (illustration, right) and were refashioned in more restrained and “Grecian” forms by neoclassical architects and designers, such as the four terracotta caryatids on the porch of St Pancras New Church, London (1822). Many caryatids lined up on the facade of the 1893 Palace of the Arts housing the Museum of Science and Industry in Chicago. In the arts of design, the draped figure supporting an acanthus-grown basket capital taking the form of a candlestick or a table-support is a familiar cliché of neoclassical decorative arts. The John and Mable Ringling Museum of Art in Sarasota has caryatids as a motif on its eastern facade.

 

Una cariátide (griego antiguo Καρυάτις, plural: Καρυάτιδες) es una figura femenina esculpida, con función de columna o pilastra, con un entablamento que descansa sobre su cabeza. El más típico de los ejemplos es la Tribuna de las Cariátides en el Erecteión, uno de los templos de la Acrópolis ateniense.Su nombre, que quiere decir habitantes de la ciudad de Caria (Καρυές), en Laconia, viene, según se decía, de que siendo esta ciudad aliada de los persas durante las Guerras Médicas, sus habitantes fueron exterminados por los otros griegos y sus mujeres fueron convertidas en esclavas, y condenadas a llevar las más pesadas cargas. Se las esculpe a ellas, en lugar de columnas típicamente griegas, para que estén condenadas durante toda la eternidad a aguantar el peso del templo.En 1550, Jean Goujon (arquitecto y escultor del rey Enrique II de Francia) talló unas cariátides en el Louvre, que sostienen la plataforma de los músicos en la sala de los guardias suizos (actualmente llamada de las Cariátides). Goujon sólo había conocido las cariátides del Erecteión mediante inscripciones y nunca había visto las originales.

El escritor español Ramón Gómez de la Serna, que vivió varios años en Buenos Aires (Argentina), escribió que quería para su muerte que «lloraran todas las cariátides de la ciudad».

Si la figura es masculina, se llama atlante o telamón.

De figura hierática en la Antigüedad, la figura de la cariátide se convirtió a lo largo del siglo XIX, en extremadamente lasciva, con los drapeados más ajustados, y con poses muy sugerentes, etc. (véase la Fuente Wallace).

 

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Texto en español de:

http://es.wikipedia.org/wiki/Cari%C3%A1tide

Text in english taken from:

http://en.wikipedia.org/wiki/Caryatid

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Con mi agradecimiento a:

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Del MJ Hide Out, por sus investigaciones y aportes grandiosos
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CONTINUARÁ… ===To be continued …

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Índice: El arte en la portada de Dangerous (The art on the cover of Dangerous)

Descripción

Parte 1: Mark Ryden El autor de la pintura es Mark Ryden. Por lo que antes que nada, agregaré información sobre este gran artista… Si conocemos al menos un poco al artista, nosotros podremos entender mejor su arte:
Parte 2: P.T. Barnum-General Tom Thumb Breve historia sobre este personaje del que Michael admiraba su manera de crear una industria del espectáculo
Parte 3: Las influencias de Ryden Por ejemplo: El jardín de las delicias de El Bosco. También Bubbles, el Vitiligo, el guante de Michael.
Parte 4 Otras obras en la portada de Dangerous El nacimiento de Venus (Botticelli). Napoleón I en su trono imperial Jean Auguste Dominique Ingres, Cariátide
Parte 5: Monos alados (Winged monkeys) De la novela el Mago de Oz, podemos ver a los monos voladores.
Parte 6 La Reina y “El Infierno” (El príncipe del Infierno), de El Bosco ¿Quién pareciera ser la Reina en la pintura de Dangerous? Una vez más El Jardín de las Delicias, “El Infierno” (El príncipe del Infierno), El Bosco
Parte 7 Ornamentos arquitectónicos en la Portada de Dangerous Sólo muestro algunos de esos elementos. No debemos olvidar que el autor de la pintura pertenece a la  Francmasonería (Freemasonry) por lo que estos elementos toman también otro significado.
Parte 8 Otros elementos de las Bellas Artes Comedia y Tragedia en la Portada de Dangerous. Sobre el cráneo que sostiene el niño, volvemos a El Bosco.

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Recopilación de información y traducción al español  realizada por Gisela F., para tributomj.com Se autoriza la reproducción de esta entrada en otros sitios,siempre y cuando se agregue 1) la (s) fuente (s) original (es) de la información 2) El vínculo a esta entrada de este blog. Todas las fuentes.  EXCEPCIONES: No autorizamos que nuestro trabajo (Investigación, recopilación, traducción, etc.) se reproduzca en sitios dedicados a temas de teorías conspirativas y todas sus ramificaciones, o sitios dedicados a “la falsa muerte” DE NINGUNA MANERA AUTORIZAMOS SE NOS INVOLUCRE O RELACIONE CON ESOS SITIOS ENGAÑOSOS (Def.) . 

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