El arte en la portada de Dangerous, Parte 4 == The art on the cover of Dangerous, Part 4

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The Birth of Venus (Botticelli) – El nacimiento de Venus en la portada de Dangerous

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The Birth of Venus Artist   Sandro Botticelli Year    c. 1486Type    tempera on canvas

Dimensions     172.5 cm × 278.5 cm (67.9 in × 109.6 in)

Location         Uffizi, Florence

El nacimiento de Venus
(La Nascita di Venere)Sandro Botticelli, 1484Temple sobre lienzo – Renacimiento”Quatroccento”

172,5 cm × 278,5 cm

Galería Uffizi, Florencia, Italia

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Ver esta imagen más grande:

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/47/La_nascita_di_Venere_%28Botticelli%29.jpg

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http://www.youtube.com/watch?v=rUuMjkvFuak

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The Birth of Venus (Botticelli)

El nacimiento de Venus

The Birth of Venus is a painting by Sandro Botticelli. It depicts the goddess Venus, having emerged from the sea as a full grown woman, arriving at the sea-shore (which is related to the Venus Anadyomene motif). The painting is held in the Uffizi Gallery in Florence. El nacimiento de Venus 1482-1484 es una pintura de Sandro Botticelli (14451510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.

Interpretation

Análisis del cuadro

The iconography of Birth of Venus is very similar to a description of the event (or rather, a description of a sculpture of the event) in a poem by Angelo Poliziano, the Stanze per la giostra.[3] No single text provides the precise content of the painting, however, which has led scholars to propose many sources and interpretations.[4] Art historians who specialize in the Italian Renaissance have found a Neoplatonic interpretation, which was most clearly articulated by Ernst Gombrich, to be the most enduring way to understand the painting.For Plato – and so for the members of the Florentine Platonic Academy – Venus had two aspects: she was an earthy goddess who aroused humans to physical love or she was a heavenly goddess who inspired intellectual love in them. Plato further argued that contemplation of physical beauty allowed the mind to better understand spiritual beauty. So, looking at Venus, the most beautiful of goddesses, might at first raise a physical response in viewers which then lifted their minds towards the Creator.[5] A Neoplatonic reading of Botticelli’s Birth of Venus suggests that fifteenth-century viewers would have looked at the painting and felt their minds lifted to the realm of divine love.More recently, questions have arisen about Neoplatonism as the dominant intellectual system of late fifteenth-century Florence,[6] and scholars have indicated that there might be other ways to interpret Botticelli’s mythological paintings. In particular, both Primavera and Birth of Venus have been seen as wedding paintings that suggest appropriate behaviors for brides and grooms

 

Classical inspiration

 

The central figure of Venus in the painting is very similar to Praxiteles‘ sculpture of Aphrodite. The version of her birth, is where she arises from the sea foam, already a full woman.

In classical antiquity, the sea shell was a metaphor for a woman’s vulva.[8]

The pose of Botticelli’s Venus is reminiscent of the Venus de’ Medici, a marble sculpture from classical antiquity in the Medici collection which Botticelli had opportunity to study.

 

 

Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es Céfiro (Dios del viento del oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Es la ninfa de la brisa y esposa de Céfiro a quienes los romanos apodaron Flora. También se ha identificado con Aura, diosa de la brisa. Céfiro y Cloris, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, flores que según la leyenda después se convertirán en seres.El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica: una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. Cubre con sus largos y rubios cabellos sus partes íntimas, aunque la larga cabellera, colocada en la entrepierna, acaba recordando al vello púbico, cuya representación estaba prohibida. El cabello es un ornamento eminentemente erótico; Botticelli lo pinta con largos arabescos que rozan la anatomía de la diosa con una delicada caricia. Con su brazo derecho trata delicada y casi inocentemente de taparse sus pechos. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico. Ahora bien, el contrapposto, con todo el peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente levantado, se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en particular las del helenismo. Se representa, sin embargo, al prototipo de belleza botticelliana semejante a la que aparece en La calumnia de Apeles; se cree que en esta Venus pudo representar a Simonetta Vespucci, glorificada en las Stanze de Poliziano, aunque la cuestión ha de quedar abierta. El rostro recuerda al de las vírgenes de Botticelli: muy joven, de boca cerrada y ojos claros. Su expresión melancólica es impropia de la Antigüedad, asociándose más bien a la expresión de una bondad de raigambre cristiana. La piel de Venus es de color marfil, un blanco con una ligera tonalidad amarillenta y con ocasionales matices rosa. Esta tonalidad no recuerda a la piel, no sugiere carne tibia y flexible, sino la superficie y la firmeza de una estatua.

Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento.[2]

Una de las Horas o Ninfas que espera a la diosa en la playa, para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se cree que se trata, específicamente, de la Primavera, la estación del renacer. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.

El que la ninfa tape con su manto a la diosa es señal de que los misterios de Venus, como los del conocimiento, se encuentran ocultos.

El paisaje no recibe especial interés por el pintor, lo que es una característica de Botticelli, como él mismo reconoció ante Leonardo da Vinci. Los árboles forman parte de un pequeño bosque de naranjos en flor, esto corresponde al sagrado jardín de las Hespérides en la mitología griega. No obstante, los naranjos, lo mismo que el laurel, también presente, pueden entenderse como alusiones a la familia Médicis. Destacan los ropajes, caracterizados por tener una gran marcación de pliegues. Esta composición es de estructura más rigurosa, llena de líneas y de movimientos armónicos.

Se trata de una pintura de extraordinaria calidad por la representación microscópica de los detalles, las proporciones de los personajes concretos y por sus relaciones mutuas (Ch. Basta).

 

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Texto en español, fragmento de:

http://es.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus

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English text fragment of:

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Birth_of_Venus_(Botticelli)

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As pointed out earlier text, The Birth of Venus is inspired by the many Greco-Roman representations of Aphrodite (Venus). Como bien señala el texto anterior, El nacimiento de Venus está inspirado en las muchas representaciones greco-romanas de Afrodita (Venus).

Aphrodite

AFRODITA

Aphrodite (Greek: Ἀφροδίτη, IPA: [apʰrodíːtɛː]; English: /ˌæfrɵˈdaɪtiː/; Latin: Venus) is the Greek goddess of love, beauty and sexuality.[2][3] According to Greek poet Hesiod, she was born when Cronus cut off Ouranos‘ genitals and threw them into the sea, and from the aphros (sea foam) arose Aphrodite.[4]Because of her beauty other gods feared that jealousy would interrupt the peace among them and lead to war, and so Zeus married her to Hephaestus, who was not viewed as a threat. Her unhappiness in marriage caused her to frequently seek out the companionship of her lover Ares. Aphrodite also became instrumental in the Eros and Psyche legend, and later was both Adonis‘ lover and his surrogate mother.Aphrodite is also known as Cytherea (Lady of Cythera) and Cypris (Lady of Cyprus) after the two places, Cythera and Cyprus, which claim her birth. Her Roman equivalent is the goddess Venus. Myrtles, doves, sparrows, and swans are sacred to her. The Greeks identified the Ancient Egyptian goddess Hathor with Aphrodite

 

Afrodita (en griego antiguo Ἀφροδίτη) es, en la mitología griega, la diosa del amor, la lujuria, la belleza, la prostitución y la reproducción. Aunque a menudo se alude a ella en la cultura moderna como «la diosa del amor», es importante señalar que normalmente no era el amor en el sentido cristiano o romántico, sino específicamente Eros (atracción física o sexual). Su equivalente romana es la diosa Venus.

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Leer más aquí

http://es.wikipedia.org/wiki/Afrodita

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Read more here:

http://en.wikipedia.org/wiki/Aphrodite

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Napoleon I on his Imperial Throne- Jean Auguste Dominique Ingres

Napoleón I en su trono imperial Jean Auguste Dominique Ingres en la portada de Dangerous

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Artist Jean Auguste Dominique Ingres
Year 1806
Type oil on canvas
Dimensions 259 cm × 162 cm (102 in × 64 in)
Location Musée de l’Armée, Hôtel des Invalides, Paris

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Ver esta imagen más grande aquí

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/28/Ingres%2C_Napoleon_on_his_Imperial_throne.jpg

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Napoleon I on his Imperial Throne- Jean Auguste Dominique Ingres

Napoleón I en su trono imperial Jean Auguste Dominique Ingres

Napoleon I on his Imperial Throne is an 1806 portrait of Napoleon I of France in his coronation costume, painted by the French painter Ingres.It shows Napoleon as emperor, in the costume he wore for his coronation, seated on a circular-backed throne with armrests adorned with ivory balls. In his right hand he holds the sceptre of Charlemagne and in his left the hand of justice. On his head is a golden laurel-wreath. He also wears an ermine hood under the great collar of the Légion d’honneur, a gold-embroidered satin tunic and an ermine-lined purple velvet cloak decorated with gold bees. The coronation sword is in its scabbard and held up by a silk scarf. The subject wears white shoes embroidered in gold and resting on a cushion. The carpet under the throne displays an imperial eagle. The signature INGRES P xit is in the bottom left, and ANNO 1806 in the bottom right. Napoleón I en su trono imperial es un retrato de 1806 de Napoleón I de Francia en su traje de coronación, pintado por el pintor francés Ingres.
Se muestra a Napoleón como emperador, con el vestuario que llevaba para su coronación, sentado en un trono circular respaldado con brazos adornados con bolas de marfil. En su mano derecha sostiene el cetro de Carlomagno y en la mano izquierda la justicia. En su cabeza está una corona de laurel de oro. También lleva una capucha de armiño en el marco del Gran Collar de la Legión de Honor, un bordado de oro y una túnica de satén forrado de armiño manto de terciopelo morado decorado con las abejas de oro. La espada de la coronación es en la vaina y sostenido por un pañuelo de seda. El tema lleva zapatos blancos bordados en oro y apoyados en un cojín. La alfombra bajo el trono muestra un águila imperial. La firma P INGRES Sale en la parte inferior izquierda, y Año 1806 en la parte inferior derecha.

Jean Auguste Dominique Ingres

Jean Auguste Dominique Ingres

Jean Auguste Dominique Ingres (French pronunciation: [ɛ̃ːɡʁ]) (29 August 1780 – 14 January 1867) was a French Neoclassical painter. Although he considered himself to be a painter of history in the tradition of Nicolas Poussin and Jacques-Louis David, by the end of his life it was Ingres’s portraits, both painted and drawn, that were recognized as his greatest legacy.A man profoundly respectful of the past, he assumed the role of a guardian of academic orthodoxy against the ascendant Romantic style represented by his nemesis Eugène Delacroix. His exemplars, he once explained, were “the great masters which flourished in that century of glorious memory when Raphael set the eternal and incontestable bounds of the sublime in art … I am thus a conservator of good doctrine, and not an innovator.”[1] Nevertheless, modern opinion has tended to regard Ingres and the other Neoclassicists of his era as embodying the Romantic spirit of his time,[2] while his expressive distortions of form and space make him an important precursor of modern art Jean Auguste Dominique Ingres, más conocido como Dominique Ingres, (Montauban, 29 de agosto de 1780París; 14 de enero de 1867), pintor francés.Su estilo de pintura se llamó: ingrismo. Ingres no es neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico, romántico y realista[1] . Ingres constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los temas, el trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido[2] . Algunas de sus obras se enmarcan en el llamado «Estilo trovador», inspirándose en el ideal estético griego y gótico, además de en las miniaturas de los libros de horas de Fouquet[2] . Igualmente, es ejemplo de orientalismo, pues muchos de sus cuadros, especialmente desnudos femeninos, están dominados por un sentido irreal del exotismo propio del siglo XVIII[2]

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Cariátide en la portada de Dangerous == Caryatid on the cover of Dangerous

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The Caryatid Porch of the Erechtheion, Athens, 421–407 BC

Cariátides del Erecteion, Atenas, 421-407 a. C.

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Caryatids on the Book Tower, Detroit

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Caryatid

Cariátide

A caryatid (Greek: Καρυάτις, plural: Καρυάτιδες) is a sculpted female figure serving as an architectural support taking the place of a column or a pillar supporting an entablature on her head. The Greek term karyatides literally means “maidens of Karyai“, an ancient town of Peloponnese. Karyai had a famous temple dedicated to the goddess Artemis in her aspect of Artemis Karyatis: “As Karyatis she rejoiced in the dances of the nut-tree village of Karyai, those Karyatides, who in their ecstatic round-dance carried on their heads baskets of live reeds, as if they were dancing plants” (Kerenyi 1980 p 149).Ancient usage

 

Some of the earliest known examples were found in the treasuries of Delphi, dating to about the 6th century BC, but their use as supports in the form of women can be traced back even earlier, to ritual basins, ivory mirror handles from Phoenicia, and draped figures from archaic Greece. The best-known and most-copied examples are those of the six figures of the Caryatid Porch of the Erechtheion on the Acropolis at Athens

 

One of those original six figures, removed by Lord Elgin in the early 1800s, is now in the British Museum in London. The other five figures are replaced onsite by replicas, and are in the Acropolis Museum.

The Romans also copied the Erechtheion caryatids, installing copies in the Forum of Augustus and the Pantheon in Rome, and at Hadrian’s Villa at Tivoli. Another Roman example, found on the Via Appia, is the Townley Caryatid.

Renaissance and after

In Early Modern times, the practice of integrating caryatids into building facades was revived, and in interiors they began to be employed in fireplaces, which had not been a feature of buildings in Antiquity and offered no precedents. An early interior example are the figures of Herculkes and Iole carved on the jambs of a monumental fireplace in the Sala della Jole of the Doge’s Palace, Venice, about 1450.[1] In the following century Jacopo Sansovino, both sculptor and architect, carved a pair of female figures supporting the shelf of a marble chimneypiece at Villa Garzoni, near Padua.[2] No architect mentioned the device until 1615, when Palladio‘s pupil Vincenzo Scamozzi included a chapter devoted to chimneypieces in his Idea della archittura universale. Those in the apartments of princes and important personages, he considered, might be grand enough for chimneypieces with caryatid supporters, such as one he illustrated and a similar one he installed in the Sala dell’Anticollegio, also in the Doge’s Palace.[3]

In the 16th century, from the examples engraved for Sebastiano Serlio‘s treatise on architecture, caryatids became a fixture in the decorative vocabulary of Northern Mannerism expressed by the Fontainebleau School and the engravers of designs in Antwerp. In the early 17th century interior examples appear in Jacobean interiors in England; in Scotland the overmantel in the great hall of Muchalls Castle remains an early example. Caryatids remained part of the German Baroque vocabulary (illustration, right) and were refashioned in more restrained and “Grecian” forms by neoclassical architects and designers, such as the four terracotta caryatids on the porch of St Pancras New Church, London (1822). Many caryatids lined up on the facade of the 1893 Palace of the Arts housing the Museum of Science and Industry in Chicago. In the arts of design, the draped figure supporting an acanthus-grown basket capital taking the form of a candlestick or a table-support is a familiar cliché of neoclassical decorative arts. The John and Mable Ringling Museum of Art in Sarasota has caryatids as a motif on its eastern facade.

 

Una cariátide (griego antiguo Καρυάτις, plural: Καρυάτιδες) es una figura femenina esculpida, con función de columna o pilastra, con un entablamento que descansa sobre su cabeza. El más típico de los ejemplos es la Tribuna de las Cariátides en el Erecteión, uno de los templos de la Acrópolis ateniense.Su nombre, que quiere decir habitantes de la ciudad de Caria (Καρυές), en Laconia, viene, según se decía, de que siendo esta ciudad aliada de los persas durante las Guerras Médicas, sus habitantes fueron exterminados por los otros griegos y sus mujeres fueron convertidas en esclavas, y condenadas a llevar las más pesadas cargas. Se las esculpe a ellas, en lugar de columnas típicamente griegas, para que estén condenadas durante toda la eternidad a aguantar el peso del templo.En 1550, Jean Goujon (arquitecto y escultor del rey Enrique II de Francia) talló unas cariátides en el Louvre, que sostienen la plataforma de los músicos en la sala de los guardias suizos (actualmente llamada de las Cariátides). Goujon sólo había conocido las cariátides del Erecteión mediante inscripciones y nunca había visto las originales.

El escritor español Ramón Gómez de la Serna, que vivió varios años en Buenos Aires (Argentina), escribió que quería para su muerte que «lloraran todas las cariátides de la ciudad».

Si la figura es masculina, se llama atlante o telamón.

De figura hierática en la Antigüedad, la figura de la cariátide se convirtió a lo largo del siglo XIX, en extremadamente lasciva, con los drapeados más ajustados, y con poses muy sugerentes, etc. (véase la Fuente Wallace).

 

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Texto en español de:

http://es.wikipedia.org/wiki/Cari%C3%A1tide

Text in english taken from:

http://en.wikipedia.org/wiki/Caryatid

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Con mi agradecimiento a:

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Del MJ Hide Out, por sus investigaciones y aportes grandiosos
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CONTINUARÁ… ===To be continued …

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Índice: El arte en la portada de Dangerous (The art on the cover of Dangerous)

Descripción

Parte 1: Mark Ryden El autor de la pintura es Mark Ryden. Por lo que antes que nada, agregaré información sobre este gran artista… Si conocemos al menos un poco al artista, nosotros podremos entender mejor su arte:
Parte 2: P.T. Barnum-General Tom Thumb Breve historia sobre este personaje del que Michael admiraba su manera de crear una industria del espectáculo
Parte 3: Las influencias de Ryden Por ejemplo: El jardín de las delicias de El Bosco. También Bubbles, el Vitiligo, el guante de Michael.
Parte 4 Otras obras en la portada de Dangerous El nacimiento de Venus (Botticelli). Napoleón I en su trono imperial Jean Auguste Dominique Ingres, Cariátide
Parte 5: Monos alados (Winged monkeys) De la novela el Mago de Oz, podemos ver a los monos voladores.
Parte 6 La Reina y “El Infierno” (El príncipe del Infierno), de El Bosco ¿Quién pareciera ser la Reina en la pintura de Dangerous? Una vez más El Jardín de las Delicias, “El Infierno” (El príncipe del Infierno), El Bosco
Parte 7 Ornamentos arquitectónicos en la Portada de Dangerous Sólo muestro algunos de esos elementos. No debemos olvidar que el autor de la pintura pertenece a la  Francmasonería (Freemasonry) por lo que estos elementos toman también otro significado.
Parte 8 Otros elementos de las Bellas Artes Comedia y Tragedia en la Portada de Dangerous. Sobre el cráneo que sostiene el niño, volvemos a El Bosco.

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Recopilación de información y traducción al español  realizada por Gisela F., para tributomj.com Se autoriza la reproducción de esta entrada en otros sitios,siempre y cuando se agregue 1) la (s) fuente (s) original (es) de la información 2) El vínculo a esta entrada de este blog. Todas las fuentes.  EXCEPCIONES: No autorizamos que nuestro trabajo (Investigación, recopilación, traducción, etc.) se reproduzca en sitios dedicados a temas de teorías conspirativas y todas sus ramificaciones, o sitios dedicados a “la falsa muerte” DE NINGUNA MANERA AUTORIZAMOS SE NOS INVOLUCRE O RELACIONE CON ESOS SITIOS ENGAÑOSOS (Def.) . 

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Author: GiselaMJJ

Acerca de Gisela MJJ Aún sin "la última lágrima..." Aunque la realidad es que: "...Tu y yo nunca estaremos separados. Es solo una ilusión. Forjada por las mágicas lentes de la percepción..." MJ

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3 Comments

  1. Gracias Gisela por tomarte la molestia de investigar para nosotros tanta información

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    • ¡Por nada!

      Aunque me he basado en investigaciones de terceros, a quienes les doy crédito claro está, yo también he hecho la mía… Y aún no termino :S

      En eso estoy 🙂 De hecho, ya también tengo algo sobre la simbología masónica que también hay en el trabajo de Mark Ryden para Dangerous. Pero primero quiero terminar con las influencias del arte…

      ¡Un abrazo María Antonieta

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  2. Hola Gise!!

    Gracias por toda la información, al observar la portada detenidamente me he encontrado con detalles que antes no había notado, vaya que a primera vista todos los ornamentos, complementos, no se exactamente como llamarlos, bueno diré que todos los ingredientes perecieran estar ahí por azar sin encambio creo que esta portada de casual no tiene nada, todo esta en su exacto lugar y a la medida justa, sigo con mis anotaciones, pero mejor me esperare a las conclusiones para saber también que es lo que opinan tu, por supuesto, Geni, Maria Antonieta, Tessy aunque no comente se que debe estar al pendiente de esta investigación, las de todos. Quizá no sean tan diferentes o quizá todos terminemos aportando una nueva visión, no lo se, de lo único que estoy segura es de que para mi es la mejor portada que podría existir, bueno = la de la portada de Sgt. Peppers es muy enigmática, mi amiga siempre me cuanta cosas sobre ella, pero como a mi me gusta mas Michael eso le de el punto a favor jaja 😀

    Un gran y cálido abrazo… Jack

    Gracias de nuevo

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