Joe Vogel: Michael Jackson, Dangerous y la reinvención del Pop == Michael Jackson, Dangerous, and the Reinvention of Pop

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Michael Jackson, Dangerous, and the Reinvention of Pop Michael Jackson, Dangerous y la reinvención del Pop
By Joe Vogel 28 September 2011 Por Joe Vogel 28 de septiembre 2011
As the traditional narrative has it, Michael Jackson’s Dangerous album represented the end of an era: the death of pop and the rise, in its wake, of grunge, alt-rock, and hip hop. Most critics point to the moment Nirvana’s Nevermind knocked Dangerous out of the #1 spot on the Billboard Charts as the symbolic turning point. Within months, muted flannel had smothered all trace of ‘80s excess and flamboyance. Como la narrativa tradicional lo tenía, el álbum Dangerous de Michael Jackson representó el final de una era: la muerte del Pop y el nacimiento en su estela, del grunge, alt-rock, y hip hop. La mayoría de los críticos señalan que el momento Nevermind de Nirvana eliminó a Dangerous de la posición # 1 en las listas de Billboard en el punto de inflexión simbólico. En cuestión de meses, franela silenciada había sofocado todo rastro de los años 80 el exceso y extravagancia.
Cultural transformations, of course, are never quite that simple. Several months after Nevermind reached the #1 spot, Nirvana shared the stage at MTV’s Video Music Awards with stadium rockers like Def Leppard, Van Halen, Metallica, and what remained the biggest band in America—Guns N’ Roses. Transformaciones culturales, por supuesto, nunca son tan simples. Varios meses después de que Nevermind de Nirvana alcanzara el lugar # 1, compartieron el escenario en los Premios de Video de MTV con los rockeros de estadio como Def Leppard, Van Halen, Metallica, y lo que quedaba de la banda más grande de Estados Unidos Guns N’ Roses
Indeed, if one were forced to pin down a cultural turning point, the 1992 VMAs wouldn’t be a bad choice. Watching Nirvana’s subversive performance (which began with a few bars of the banned “Rape Me” before relenting into the moody “Lithium”) shortly after Def Leppard’s cartoonish “Let’s Get Rocked” not only made ‘80s rock look ridiculous, but it soon made it nearly obsolete. De hecho, si uno se viera obligado a precisar un punto de inflexión cultural, los VMAs de 1992 no serían una mala elección. Ver la actuación de Nirvana subversiva (que comenzó con unos pocos compases de la prohibida “Rape Me”, antes de ceder al mal humor de “Lithium”) poco después de los dibujos animados de Def Leppard “Let’s Get Rocked”  no sólo al rock de los 80s parecer ridículo, sino que lo hizo casi obsoleto
Even the mighty Guns N’ Roses, who closed the show with a spectacular performance of “November Rain”, were openly mocked by Nirvana as “corporate rock” and “packaged rebellion”. If ever there was a public changing of the guard, this was the night. Incluso el poderoso Guns N’ Roses, quienes cerraron el show con una espectacular actuación de “November Rain”, se burlaron abiertamente de Nirvana como “rock corporativo” y “rebelión envasada”. Si alguna vez hubo un público cambio de guardia, esta era la noche.

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Michael Jackson, meanwhile, the defining pop icon of the ‘80s, created an album in Dangerous that had as much—or little—to do with pop as Nevermind did. The stylistic differences are obvious enough. Nevermind was rooted in punk rock and grunge, while Dangerous was primarily grounded in R&B/New Jack Swing. Yet both expressed a strikingly similar sense of alienation, with many songs functioning as a kind of confessional poetry. Michael Jackson, por su parte, el icono de la definición de pop de los años 80, creó un álbum en Dangerous que tenía mucho, -o poco- que ver con el pop como Nevermind hizo. Las diferencias de estilo son bastante obvias. Nevermind tenía sus raíces en el punk rock y grunge, mientras que Dangerous se basaba principalmente en R&B / New Jack Swing. Sin embargo, ambos expresaron un sentido muy similar de la enajenación, con muchas canciones funcionando como una especie de poesía confesional.
Compare Cobain’s lyrics from “Lithium”—“I’m so happy / Cause today I found my friends / They’re in my head”—to Jackson’s on “Who Is It”—“It doesn’t seem to matter / And it doesn’t seem right / ‘Cause the will has brought no fortune / Still I cry alone at night.” Comparar letras de Cobain de “Lithium” – “Estoy tan feliz / Porque hoy he encontrado a mis amigos / Están en mi cabeza” con la de Jackson “Who Is It” – “No parece importar / Y no parece correcto / porque la voluntad no ha traído fortuna / Aún lloro solo por la noche.”
Both albums also contained their share of catchy pop hooks and choruses while introducing more underground sounds to mainstream audiences, and both albums were sung by wounded, sensitive souls who happened to be brilliant marketers/mythmakers. Ambos discos contenían también su parte de los ganchos pop pegadizos y coros, mientras que la introducción de los sonidos más subterráneos (de la calle) a un público mayoritario, y los dos álbumes fueron cantados por almas heridas, sensibles, que pasaron a ser vendedores brillantes / creadores de mitos.
Sonically, Dangerous shared little in common with the work of fellow pop stars like Madonna, Whitney Houston, and Mariah Carey. Its tone was much more ominous, gritty, urban, and industrial. In short films like “Black or White”, Jackson was likewise exploring darker territory, shocking middle-class audiences with his raw expression of pain and indignation at racism. Musicalmente, Dangerous compartía poco en común con las obras de sus compatriotas estrella del pop como Madonna, Whitney Houston y Mariah Carey. Su tono era mucho más ominoso, arenoso, urbano e industrial. En cortometrajes como “Black or White”, Jackson fue también explora un territorio más oscuro, sorprendiendo al público de  la clase media con su cruda expresión de dolor e indignación por el racismo.
Ironically, it was the “establishment pop star,” not the outsider grunge band, whose music video was censored following public outcry over its controversial coda. “Smells Like Teen Spirit”, meanwhile, was in such heavy rotation it had one MTV executive gushing that they had “a whole new generation to sell to.” Irónicamente, fue la “establecida estrella del pop”, no la banda de grunge extraña, cuyo videoclip fue censurado después de las protestas públicas por su controvertida coda. “Smells Like Teen Spirit”, en tanto, estuvo en rotación pesada, este tuvo a un ejecutivo de MTV con el choro de que había “una nueva generación que vender.”

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VIDEO BLACK OR WHITE PANTER VERSION

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The point is that, contrary to conventional wisdom, by the end of 1991, Nirvana was as much “pop” as Michael Jackson—and Michael Jackson was as much “alternative” as Nirvana. Both artists’ albums were released by major labels and had similar commercial and chart successes, though they were measured against much different expectations. Each produced hit singles. Each elicited memorable videos and performances that played side-by-side on MTV. And each has now sold in excess of 30 million copies worldwide. El punto es que, contrariamente a la sabiduría convencional, a finales de 1991, Nirvana era tan “pop” como Michael Jackson y Michael Jackson fue tan “alternativo” como Nirvana. Los discos de ambos artistas fueron liberados por los principales sellos discográficos y tuvieron similares éxitos comerciales y gráficos, a pesar de que se midieron en contra de grandes expectativas diferentes. Cada uno produjo sencillos de éxito. Cada uno obtuvo videos memorables y actuaciones que se transmitieron de lado a lado en la MTV. Y cada uno ha vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo.
Nevermind, of course, has received far greater critical acclaim, both for its cultural import and artistic substance. Yet 20 years later, Dangerous is gaining admirers as more people move beyond the extraneous nonsense that was so prominent in contemporaneous reviews and pay attention to its content: its prescient themes, its vast inventory of sounds, its panoramic survey of musical styles. Nevermind, por supuesto, ha recibido la más grande aclamación de la crítica, tanto por su importancia cultural y sustancia artística. Sin embargo, 20 años después, está ganando admiradores Dangerous a medida que más gente se mueve más allá de la tontería ajena que era tan prominente en las revisiones contemporáneas y presta atención a su contenido: sus temas proféticos, su amplio inventario de los sonidos, su estudio panorámico de estilos musicales.
The bottom line is this: If indeed it is considered a pop album, Dangerous redefined the parameters of pop. How else to explain an album that mixes R&B, funk, gospel, hip-hop, rock, industrial, and classical; an album that introduces one song (“Will You Be There”) with Beethoven’s Ninth Symphony and another (“Dangerous”) with what sounds like the heart of a steel-city factory; an album that can alternately be paranoid, cryptic, sensual, vulnerable, idealistic, bleak, transcendent, and fearful? La conclusión es esta: Si, efectivamente se considera un disco de pop, Dangerous redefinió los parámetros del pop. ¿Cómo explicar un disco que mezcla el R & B, funk, gospel, hip-hop, rock, industrial, y clásica, un álbum que presenta una canción (“Will You Be There”), con la Novena Sinfonía de Beethoven y otro (“Dangerous”) que suena como el corazón de una fábrica de acero de la ciudad, un álbum que, alternativamente, puede ser paranoico, enigmático, sensual y vulnerable, idealista, sombrío y trascendente, y temeroso?
Even the album cover—an acrylic painting by pop surrealist Mark Ryden featuring a circus-like mask through which Jackson gazes back at his audience—signifies a new depth and awareness. Incluso la portada del álbum-una pintura en acrílico por el artista pop surrealista Mark Ryden con una máscara de circo a través de la cual Jackson mira de nuevo a su público, significa una nueva profundidad y conciencia.

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Michael Jackson – Jam

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Jackson sets the tone from the opening track. In place of the pristine, cinematic grooves of Bad is something more attuned to the real world, something more edgy and urgent. The shattering glass at the beginning of “Jam” fittingly symbolizes the breakthrough. Dangerous was Jackson’s first album without legendary producer Quincy Jones. Jackson marca el tono de la canción de apertura. En lugar de los surcos vírgenes, cinematográficos de Bad es algo más en sintonía con el mundo real, algo más nervioso y urgente. Los cristales rotos en el principio de “Jam” simbolizan adecuadamente el avance. Dangerous fue el primer álbum de Jackson, sin el legendario productor Quincy Jones.
Many thought he was crazy to part ways with Jones, given the pair’s unprecedented success together. Yet Jackson liked challenges and was invigorated by the idea of acting as executive producer and working with a fresh canvas. Muchos pensaron que estaba loco por separarse de Jones, dado el éxito sin precedentes de la pareja. Sin embargo, a Jackson le gustaban los retos y se fortaleció con la idea de actuar como productor ejecutivo y trabajar con un lienzo fresco.
He began experimenting with a group of talented producers and engineers he had developed relationships with in the previous years, including Bill Bottrell, Matt Forger, and Bryan Loren; later in the process, he also brought back longtime engineer, Bruce Swedien. What resulted from the recording sessions—which spanned from 1989-1991—was his most socially conscious and personally revealing album to date. Empezó a experimentar con un grupo de talentosos productores e ingenieros con los que había desarrollado relaciones los años anteriores, incluyendo a Bill Bottrell, Matt Forger, y Bryan Loren, y más tarde en el proceso, sino que también trajo de vuelta a su ingeniero de toda la vida, Bruce Swedien. Lo que resultó de la las sesiones de grabación -que se extendió desde 1989-1991-fue su álbum de mayor más conciencia social y revelador de personalidad hasta la fecha.
Perhaps the most significant addition to the new creative team, however, wasn’t made until the final year. Jackson remained dissatisfied with many of the rhythm tracks. He wanted them to hit harder, to feel edgier. Quizás la novedad más importante para el equipo creativo nuevo, sin embargo, no se hizo hasta el último año. Jackson quedó satisfecho con muchas de las pistas de ritmo. Él quería que golpear más fuerte, para sentirse más tenso.
With this in mind, he reached out to then-23-year-old New Jack Swing innovator, Teddy Riley. Since the release of Bad in 1987, R&B and hip-hop had evolved in a variety of directions, from the provocative rap of Public Enemy, to the sexual bluntness of LL Cool J, to the aggressive New Jack Swing of Bobby Brown and Guy. Con esto en mente, él se acercó a continuación, al de 23 años de edad, innovador New Jack Swing, Teddy Riley. Desde el lanzamiento de Bad en 1987, el R&B y hip-hop se habían desarrollado en una variedad de direcciones, desde el rap de provocación de Public Enemy, a la franqueza sexual de LL Cool J, con el New Jack Swing agresivo de Bobby Brown y Guy.
Jackson wanted to take elements from all of the latest innovations and sounds, and bend, contort, and meld them with his own creative vision. While Dangerous is often characterized as New Jack Swing—because of Riley’s presence, no doubt—Jackson’s appropriation of the style is clear. Jackson quería tomar elementos de todas las novedades y los sonidos, y doblar, retorcer, y fundir con su propia visión creativa. Mientras que Dangerous es a menudo caracterizado como New Jack Swing, debido a la presencia de Riley, la apropiación sin duda del estilo de Jackson es clara.
The beats are often more dynamic and crisp, the rhythms more syncopated, the sound more visceral and industrial. Found sounds are used as percussion everywhere: honking horns, sliding chains, swinging gates, breaking glass, crashing metal. Jackson also frequently implements beatboxing, scatting, and finger-snapping Los golpes son a menudo más dinámicos y frescos, los ritmos más sincopados, el sonido más visceral e industrial. Se encuentran sonidos que son utilizados como percusión en todas partes: bocinazos, las cadenas corredizas, puertas giratorias, cristales rotos, metales estrellándose. Jackson también con frecuencia implementa beatboxing, scatting, y chasquidos de dedos

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Beatboxing es una forma de percusión vocal que se basa en la habilidad de producir beats de batería, ritmos y sonidos músicales utilizando la propia boca, labios, lengua y voz. Puede incluir también el canto, la imitación vocal del turntablism, la simulación de vientos, cuerdas y otros instrumentos musicales. El beatboxing actual está conectado con la cultura hip hop, siendo uno de “los elementos”, aunque no se limita a la música hip hop. Fuente

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scatting: En la música jazz, scat es un tipo de improvisación vocal, generalmente con palabras y sílabas sin sentido, convirtiendo la voz en un instrumento musical más. El scat da la posibilidad de cantar melodías y ritmos improvisados. Ejemplos: «Scat, skeet, skee, do doodle do, Skeet, skuld, skoot, do doodle do, Skoodulah ball, be-duh-be-dee zoot zoot zu,…» Fuente

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Bobby Brown – Humpin’ Around (With Intro)

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Take a song like “In the Closet” and compare it to other late ‘80s/early ‘90s New Jack Swing. The differences are striking. Listen to the way the elegant piano intro gives way to the erotic, gyrating beat. Toma una canción como “In the Closet” y compárala con otra New Jack Swing  de los años 80 / principios de los 90. Las diferencias son notables. Escuchen la forma en que la introducción elegante del piano da paso al erótico y girante ritmo.
Listen to how the song builds tension and releases, builds tension and releases, before the climax explodes at the 4:30 mark. Escucha cómo la canción se basa la tensión y lanzamientos, creando tensión y lanzamientos, antes del clímax que estalla en la marca del 4:30.
Listen to the agile vocal performance, from the hushed, confessional narration, to the tight falsetto harmonies, to the passionate sighs, gasps and exclamations. Escucha la interpretación vocal ágil, a partir de la narración baja, confesional, las armonías en falsete apretado, los suspiros apasionados, jadeos y exclamaciones.
It is one of Jackson’s most sexually charged songs, yet it still manages a certain subtlety and intrigue—even the title is coyly playing with expectations about sexuality. Es una de las canciones de más carga sexual de Jackson, sin embargo, todavía se las arregla con una cierta sutileza e intriga, incluso el título está tímidamente jugando con las expectativas acerca de la sexualidad.
Unlike most R&B and pop songwriters, Jackson’s “love songs” almost always contain a certain ambiguity, dramatic tension, and mystery. See, also, “Dangerous”, which contains the lyric: “Deep in the darkness of passion’s insanity / I felt taken by lust’s strange inhumanity.” A diferencia de la mayoría de las composiciones R&B y pop, las “canciones de amor” de Jackson, casi siempre contienen una cierta ambigüedad, la tensión dramática y el misterio. Ver, también, “Dangerous”, que contiene la letra: “En lo profundo de las tinieblas de la locura de la pasión / me sentí llevado por el extraño deseo de la inhumanidad”

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Michael Jackson – In The Closet

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It is the second half of the Dangerous album, however, that really showcases Jackson’s artistic range. Following the declarative blockbuster, “Black or White”, Jackson unveils one of the most impressive songs in his entire catalog, the haunting masterpiece, “Who Is It”. Es la segunda mitad del álbum Dangerous, sin embargo, lo que realmente muestra la amplitud artística de Jackson. Siguiendo al declarativo éxito de taquilla “Black or White”, Jackson revela una de las canciones más impresionantes de su catálogo, la obra maestra inolvidable, “Who Is It”.
For those who still believe the myth that Jackson’s work declined after the ‘80s, this track alone should dispel the notion. Not only is it expertly crafted (rivaling “Billie Jean”), it is Jackson at his most emotionally raw: “I can’t take it ‘cause I’m lonely!” “Give in to Me” continues the dark tone, as Jackson unleashes pent-up angst over Slash’s blistering guitar stabs. Para aquellos que todavía creen en el mito de que el trabajo de Jackson declinó después de los años 80, sólo este tema solo debe acabar con la idea. No sólo está expertamente elaborado (rivalizando con “Billie Jean”), sino que es Jackson en su momento más emocionalmente crudo: “¡No lo puedo tomarlo porque estoy solo!”, “Give In To Me”, continúa el tono oscuro, conforme Jackson da rienda suelta a la angustia acumulada mientras a Slash, se le forman ampollas con el tablero de la guitarra.
It is a song that would be right at home alongside the contrasting quiet/loud song dynamics on Nevermind or the rough, metallic textures of U2’s Achtung Baby. Es una canción que estaría como en casa junto a la dinámica de contraste de la canción Bajo/Alto de Nevermind o las texturas rugosas del metálico de U2 Achtung Baby.
What comes next? A prelude taken from Beethoven’s Ninth Symphony, naturally, followed by two songs—“Will You Be There” and “Keep the Faith”—rooted in black gospel. Jackson then closes the album with a tender expression on the transience of life (“Gone Too Soon”), inspired by AIDS victim, Ryan White, before returning full circle to the industrial New Jack Swing of the title track. ¿Qué viene ahora? Un preludio tomado de la Novena Sinfonía de Beethoven, por supuesto, seguido de dos canciones, “Will You Be There” y “Keep the Faith” arraigadas en el Gospel negro. Jackson cierra el álbum con una expresión tierna en la fugacidad de la vida (“Gone Too Soon”), inspirado en víctima del sida, Ryan White, antes de regresar al punto de partida al industrial New Jack Swing de la canción del título.
For some, this kind of eclectic, maximalist approach to an album was viewed scornfully. Dangerous was criticized for being too long, over-the-top, and unfocused. What in the world, skeptics asked, was a song like “Heal the World” doing on an album with “Jam” and “Dangerous”? Para algunos, este tipo de enfoque ecléctico, maximalista de un álbum fue visto con desdén. Dangerous fue criticado por ser demasiado largo, sobre el tope, y fuera de foco. Lo que en el mundo, los escépticos preguntaron, ¿Qué hace una canción como “Heal the World” en un álbum con “Jam” y “Dangerous”?
Certainly, it fell in contrast to the sustained sound and theme of an album like Nevermind. Jackson, of course, could have easily gone this route by adding a few more songs to the seven rhythm tracks he created with Teddy Riley. Yet ultimately, it was an aesthetic choice. Ciertamente, cayó en contraste con el sonido sostenido y el tema de un disco como Nevermind. Jackson, por supuesto, podría haber ido esta ruta mediante la adición de un par de canciones más de las siete rítmicas pistas que creó con Teddy Riley. Sin embargo, en última instancia, se trataba de una elección estética.
Jackson valued diversity and contrast, both sonically and thematically. He loved the idea of surprising an audience with an unusual song sequence, or an unanticipated shift in mood. Jackson valoraba la diversidad y el contraste, tanto musicalmente como temáticamente. A él le encantó la idea de sorprender a la audiencia con una secuencia inusual de canciones, o un cambio inesperado en el estado de ánimo.
If traditional R&B couldn’t express a certain emotion, he found a style that could (thus, the epic, Biblically-rooted pathos of “Will You Be There” turns to classical and gospel). Albums, he believed, were journeys—and as he would later explain in reference to his This Is It concert series, he wanted to take people places they’d never been before. Si el tradicional R&B no podía expresar una cierta emoción, él encontró con un estilo que podría (esto, la épica, bíblicamente enraizada pathos de “Will You Be There” se convierte en clásico y Gospel). Los álbumes, en su opinión, eran viajes-y como más tarde explicaría en referencia a su serie de conciertos This Is It, quería llevar a la gente a lugares en los que nunca habían estado antes.

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Michael Jackson – Who Is It

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Michael Jackson – Heal The World

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Yet regardless of stylistic preferences, one must at least acknowledge the sheer audacity and talent of an artist who was able to draw from such disparate sources and create in such a variety of genres. Could Axl Rose do New Jack Swing? Could Kurt Cobain do hip hop? Could Chuck D do gospel? Yet Michael Jackson worked as comfortably with Slash as he did the Andrae Crouch Singers Choir or Heavy D. Sin embargo, independientemente de las preferencias de estilo, al menos se debe reconocer la audacia y el talento de un artista que fue capaz de sacar de fuentes tan dispares y crear en una variedad de géneros. ¿Axl Rose podría hacer New Jack Swing? ¿Kurt Cobain podría hacer hip hop? ¿Chuck D podría hacer Gospel? Sin embargo, Michael Jackson trabajaba tan cómodamente con Slash como lo hizo el Andrae Crouch Singers Choir o Heavy D.
What, then, is the legacy of Dangerous twenty years later? It was an artistic turning point for Jackson, shifting his focus to more socially conscious material, ambitious concepts, and a broader palette of sounds and styles. It is also the culminating expression of the New Jack Swing sound, contributing to late ‘80s/early ‘90s R&B what albums like Nevermind and Ten did for rock. Entonces, ¿Cuál es el legado de Dangerous, veinte años después? Fue un punto de inflexión artística de Jackson, cambiando su enfoque al material una mayor conciencia social, conceptos ambiciosos, y una paleta más amplia de sonidos y estilos. Es también la expresión culminante del sonido New Jack Swing, contribuyendo a finales de los 80 / principios de los 90 R&B lo que discos como Nevermind o Ten hicieron para el rock.
His R&B-rap fusions set the blueprint for years to come, while his industrial soundscapes and metallic beats were later popularized by artists as disparate as Nine Inch Nails and Lady Gaga. In terms of the overall music scene in 1991—which truly was a remarkable year for music—it may not have been as culturally overpowering as Nevermind, but it does stand alongside it (and a handful of other records) as one of the early decade’s most impressive artistic achievements. Su fusión de R&B-Rap establece el plan para los próximos años, mientras que sus sonidos y ritmos metálicos industriales más tarde fueron popularizados por artistas tan dispares como Nine Inch Nails y Lady Gaga. En cuanto a la escena musical en general en 1991, que realmente fue un año extraordinario para la música no puede haber sido tan culturalmente abrumador como Nevermind, pero lo hace de pie junto a él (y un puñado de otras grabaciones) como uno de los diez logros artísticos más impresionantes de la década.
In the end, Nirvana and company may have killed off ‘80s rock. But if pop was dead, its “king” had successfully created alternatives. Al final, el Nirvana y compañía pueden haber matado al rock de los 80s. Pero si el Pop estaba muerto, su “Rey” había creado con éxito alternativas.

Fuente/source

popmatters.com

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Mi fuente/My source

JoeVogel1: Michael Jackson, Dangerous, and the Reinvention of Pop http://t.co/wkEE6aaI via @popmatters

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Un poco sobre géneros musicales

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Rhythm and blues
(Redirigido desde Rhythm & Blues)
Rhythm & blues
Orígenes musicales
Jazz, blues, hard bop y gospel
Orígenes culturales
Últimos años de la década de 1940 en Estados Unidos
Instrumentos comunes
Guitarra, bajo, saxofón, batería, piano, armónica, órgano Hammond, trompeta, teclado electrónico
Popularidad
En las décadas de 1940 y 1960.
Subgéneros
Doo wop, Quiet storm, Rock and roll, New jack swing, Rhythm & blues mainstream, Neo soul, R&B contemporáneo
El Rhythm and Blues (abreviado por sus siglas R&B) o Jumping Music es un género musical derivado en su origen del jazz, el gospel y el blues. El término musical fue introducido en Estados Unidos en 1949 por Jerry Wexler de la revista Billboard.1 Sustituyó al término conocido como “race records” (grabaciones de raza), considerado ofensivo para la posguerra mundial2 así como para la categoría de Billboard “Harlem Hit Parade” en junio de 1949, y principalmente era usado para identificar el género musical que más tarde se desarrollaría en forma de rock and roll. El R&B original, conocido hoy como rhythm and blues clásico, ha evolucionado tomando dos vertientes populares una conocida como rhythm and blues contemporáneo y otra que no tiene prácticamente relación con el subgénero rhythm and blues mainstream.
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Fuente y leer más en:
wikipedia.org
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Funk
Para otros usos de este término, véase Funk (desambiguación).
Funk
Orígenes musicales
Música soul con énfasis en el beat, influencias del R&B, jazz y rock psicodélico
Orígenes culturales
Mediados de los 60, Estados Unidos
Instrumentos comunes
Bajo eléctrico, batería, guitarra eléctrica, teclados (clavinet Hohner, sintetizador, órgano Hammond), vientos, congas
Popularidad
Alta en los años 1970, media en los 1980 y 1990.
Derivados
Música disco, hip hop, electro, electropop, house
Subgéneros
Go-go, P-Funk, deep funk, , nu funk
Fusiones
Afrobeat, funk metal, G-funk, acid jazz, jazz funk, funky house, UK funky, funk rock
Enlaces
Categoría:Funk
El funk es un género musical, que nació entre mediados y finales de los años 1960 cuando diferentes músicos afroamericanos fusionaron soul, soul jazz y R&B dando lugar a una nueva forma musical rítmica y bailable. El funk reduce el protagonismo de la melodía y de la armonía y dota a cambio de mayor peso a la percusión y a la línea de bajo eléctrico. Las canciones de funk suelen basarse en un vamp extendido sobre un solo acorde, distinguiéndose del R&B y el soul, más centrados alrededor de la progresión de acordes.
Como buena parte de la música de influencia africana, el funk suele construirse sobre un groove complejo creado a partir de instrumentos rítmicos como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, el órgano Hammond y la batería, que tocan ritmos entrelazados. Los grupos de funk tienen en ocasiones una sección de viento formada por varios saxos, trompetas y, a veces, un trombón, que tocan “hits” rítmicos.
Muchas de las más famosas bandas del género también tocaron música disco y soul. El funk fue una influencia decisiva en el desarrollo de la música disco y del afrobeat. Por otra parte, los samples de funk han sido utilizados de modo generalizado para en géneros como hip hop, house y drum and bass. También ha tenido una influencia capital en el go-go.
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Fuente y leer más
wikipedia.org
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Góspel
(Redirigido desde Gospel)
Gospel
Orígenes musicales
Spiritual
Orígenes culturales
Finales del siglo XVIII en Estados Unidos, por parte de la población afroamericana
Instrumentos comunes
Voz, Órgano, piano, Pandereta, palmas
Popularidad
Estados Unidos
Subgéneros
Black Gospel, Traditional Gospel, Southern Gospel, Hymns, Música cristiana, Inspirational, Reggae Gospel
Fusiones
Soul
Enlaces
Categoría:Gospel
La música góspel,1 música espiritual o música evangélica, en su definición más restrictiva, es la música religiosa que surgió de las iglesias afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo popular durante la década de 1930. Más generalmente, suele incluirse también la música religiosa compuesta y cantada por cantantes cristianos sureños, independientemente de su etnia.
La música gospel, a diferencia de los himnos cristianos, son de carácter ligero en cuanto a música. La palabra original es GodSpell, que en castellano se traduce como «Dios anuncia». A esta forma de cantar se la denominó así ya que era un canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana.
La fuerte división entre blancos y negros en EE.UU., especialmente entre iglesias de blancos y las de negros, ha mantenido separadas ambas ramas del gospel, aunque esta separación nunca fue absoluta (ambas parten de los himnos metodistas y los artistas de una tradición cantan a veces canciones de la otra), y dicha separación ha disminuido ligeramente en el último medio siglo.
Es un género musical caracterizado por el uso dominante de coros con un uso excelente de la armonía. Entre los subgéneros se incluyen el Gospel tradicional, Reggae Gospel y Gospel rap, etc. Hoy en día hay infinidades de subgéneros llamados gospel , en realidad a cualquier ritmo se le junta la palabra gospel para que sea acepto por iglesias evangélicas con un carácter moderno.
Fuente y leer más
wikipedia.org
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Hip hop
(Redirigido desde Hip-hop)
Hip hop
Orígenes musicales
Funk, disco, dub, R&B, soul, toasting, scat
Orígenes culturales
Años 1970 en el Bronx, Nueva York
Instrumentos comunes
Tocadiscos, sintetizador, DAW, rapeo, caja de ritmos, sampler, beatboxing, guitarra, bajo, piano, batería
Popularidad
Mundial desde los 1980, especialmente popular en los 2000
Derivados
Electro, breakbeat, jungle/drum and bass, trip hop, grime
Subgéneros
Rap alternativo, rap cristiano, conscious hip hop, freestyle rap, gangsta rap, hardcore hip hop, horrorcore, nerdcore hip hop, chicano rap, jerkin’
Fusiones
Country rap, hip hop soul, hip house, crunk, jazz rap, merenrap, neo soul, nu metal, ragga, rap rock, rap metal, hip life, low bap, glitch hop, new jack swing, electro hop
Escenas regionales
East coast, West coast, southern hip hop, hip hop británico, hip hop español, hip hop francés
Enlaces
Categoría:Hip hop
El hip hop o hip-hop es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn. El DJ Afrika Bambaataa subrayó los cuatro pilares de la cultura hip hop: MC, DJ, breakdance y grafiti.1 2 Otros elementos incluyen el beatboxing.
La música hip hop o rap es un género musical que se desarrolló como parte de la cultura hip hop, y se define por cuatro elementos estilísticos: MC, DJ/turntablism, sampling (o sintetización de sonido) y beatboxing. El hip hop comenzó en el South Bronx de Nueva York a comienzos de los años 1970. El término rap suele utilizarse como sinónimo de hip hop, si bien hip hop también hace referencia a las prácticas de toda esta subcultura.3
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Fuente y leer más
wikipedia.org
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Rock
Para otros usos de este término, véase Rock (desambiguación).
Rock
Orígenes musicales
Jazz, blues, soul, country, R&B, Rock and Roll
Orígenes culturales
Años 1950 en Estados Unidos.
Instrumentos comunes
Guitarra acústica, bajo, batería, guitarra eléctrica, sintetizador, teclado.
Popularidad
Alta en todo el mundo desde su origen.
Subgéneros
Véase Anexo:Subgéneros del rock
Enlaces
Categoría:Música rock
Categoría:Historia del rock
El rock es un género musical del siglo XX y de la época contemporánea del cual nacen cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll.1 Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que normalmente se adicionan, con guitarra, batería, bajo y algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano, el piano, o los sintetizadores.
El primitivo rock se deriva de gran cantidad de fuentes, principalmente blues, rhythm and blues y country, pero también del gospel, jazz y folk. Todas estas influencias combinadas en una simple, estructura musical basada en blues «que era rápida, bailable y pegadiza».2
wikipedia.org
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Música industrial
Industrial
Orígenes musicales
Musique concrete, fluxus , performance, música electrónica, krautrock, noise, música experimental, punk.
Orígenes culturales
Mediados de los años 1970: Inglaterra.
Instrumentos comunes
Sintetizador, caja de ritmos, tape loops, batería, guitarra, secuenciador, teclado, sampler, bajo
Popularidad
Underground
Subgéneros
Aggrotech, metal industrial, rock industrial, ambient industrial, EBM, rock industrial, IDM, no wave
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Categoría:Música industrial
Música industrial es un estilo de música experimental que hace uso de temas transgresivos y suele estar asociada con angst e ira contraculturales. Aunque ideológicamente asociada al punk,1 la música industrial es generalmente más compleja y diversa, tanto a nivel sonoro como lírico. El término fue acuñado hacia mediados de los años 1970 a raíz de la fundación de Industrial Records por la banda de Yorkshire Throbbing Gristle y con la creación del eslógan irónico “industrial music for industrial people” (en castellano, “música industrial para gente industrial”).
Los primeros artistas industriales experimentaron con ruidos y temas estéticamente comprometidos, tanto musical como visualmente, como el fascismo, los asesinatos en serie y el ocultismo. Su producción no se limitó a la música, sino que incluyó también arte correo, performance, instalaciones artísticas y otras formas artísticas.2 Entre los músicos más destacados de la música industrial están Throbbing Gristle, SPK, Boyd Rice, Cabaret Voltaire y Z’EV. Los precursores que influyeron sobre el desarrollo del género fueron proyectos como el grupo de electrónica Kraftwerk, bandas de rock experimental como The Velvet Underground y Frank Zappa, artistas de rock psicodélico como Jimi Hendrix, compositores como John Cage, escritores como William S. Burroughs y filósofos como Friedrich Nietzsche.
Aunque el término fue inicialmente utilizado solo por un pequeño círculo de individuos asociados con Industrial Records en los 1970, se amplió para incluir a artistas influidos por el movimiento original o que adoptaban la estética “industrial”. Estos artistas expandieron el género al empujarlo en direcciones más ruidistas y electrónicas. Con el tiempo, su influencia se extendió, pasando la música industrial a fusionarse con otros estilos como la música folk, el ambient y el rock, fusiones que se catalogan como música post industrial. Entre los géneros híbridos más populares se encuentran el rock industrial y el metal industrial, con grupos como Nine Inch Nails y Ministry, que llegaron a lograr discos de platino en los años 1990. El electro-industrial es un desarrollo más moderno. Estos tres géneros suelen ser conocidos simplemente como industrial.
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Fuente y leer más
wikipedia.org
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Música clásica
El término música clásica aparece por primera vez en el Oxford English Dictionary en 1836 y señala las composiciones europeas más destacadas del siglo anterior.1 Es el nombre habitual de la música culta, académica, docta y otros. En la historia de la música y la musicología, es la música del clasicismo o período clásico (1750-1820); pero en sentido popular y de mucha aceptación en medio escrito, así lo recoge la RAE, es la música de tradición culta; sus primeras luces en Europa se sitúan aproximadamente en 1450. Existe una expresión que abarca casi todos los períodos para definir su época de mayor esplendor: período de la práctica común.
Hacia 1950 la composición culta (cierta complejidad en notación e instrumentación) comienza a situarse mayormente fuera de la tradición anterior, mediante la composición radicalmente atonal y disonante y otras tendencias opuestas.
Fuente y leer más
wikipedia.org
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Recopilación de información y traducción al español  realizada por Gisela F., para tributomichaeljackson.wordpress.com Se autoriza la reproducción de esta entrada en otros sitios, siempre y cuando se mencione 1) la (s) fuente (s) original (es) de la información 2) El vínculo a esta entrada de este blog. Todas las fuentesEXCEPCIONES: No autorizamos que nuestro trabajo (Investigación, recopilación, traducción, etc.) se reproduzca en sitios dedicados a temas de teorías conspirativas y todas sus ramificaciones, o sitios dedicados a “la falsa muerte” DE NINGUNA MANERA AUTORIZAMOS SE NOS INVOLUCRE O RELACIONE CON ESOS SITIOS ENGAÑOSOS (Def.).

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Author: GiselaMJJ

Acerca de Gisela MJJ Aún sin "la última lágrima..." Aunque la realidad es que: "...Tu y yo nunca estaremos separados. Es solo una ilusión. Forjada por las mágicas lentes de la percepción..." MJ

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1 Comment

  1. Gisela:
    Mil gracias por la traducción…Excelente artículo de Vogel….Por fin, gente sabia reconoce el genio de Michael Jackson!!!

    Cynthia

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